Transición del Siglo de Oro al Neoclasicismo

	SIGLO de ORO (s. XVI-XVII)	NEOCLASICISMO (s. XVIII)
UNIDADES	No respeto	Respeto
PROPÓSITOS	divertir=entretener y mantener ideología conservadora social	Enseñar deleitando (didactismo)
PERSONAJES	ARQUETIPOS (galán, dama...)	burguesía + clase privilegiada Hay una crítica social y un choque entre las dos clases
TEMAS	Variados y amplios (historia, religión, comedias de enredos, contemporáneos...)	Temas sociales (entrenar al público con ideas, corrientes (didactismo))
Otras constantes	TRAMA --> ciudado, intriga MEZCLAS --> humor y drama MUJER ATREVIDA (viste de hombre)

El teatro de Lope de Vega

La fórmula teatral que erige LOPE de VEGA: principios de su teatro

En el siglo XVII el género literario de más éxito popular fue sin duda el teatro. Se multiplican los locales y las compañías, aumenta el número de espectadores y se asientan en cada país las bases de su respectivo teatro nacional. Al convertirse en una actividad cada vez más rentable, el teatro sufre una profunda reorganización: se instala en locales fijos, llamados corrales de comedias, que se adecuan a las necesidades de la puesta en escena y al público que asiste a ellos; se perfecciona la escenografía y aumenta el número de representaciones y la demanda de textos originales. En este ambiente de renovación irrumpe un genio de la escena: Lope de Vega. Él romperá con las normas a que debían ajustarse las comedias e impondrá una fórmula dramática nueva, esencialmente popular pero con calidad de literaria, que satisfará a la vez al público mayoritario y a los entendidos: la comedia nacional.

La fórmula teatral que creó Lope de Vega, y que triunfó en el Barroco, se caracteriza por su gran libertad y naturalidad, frente a las normas rígidas a que estaba sometido el teatro clásico. Estas son las características principales de la misma:

• Rechazo a la norma de las tres unidades: A diferencia de las obras anteriores que se basaban en la unidad de acción (un único conflicto), tiempo (un solo día) y lugar (un solo escenario), en las obras de Lope es frecuente la doble acción, la multiplicidad de escenarios y un tiempo interno variable (hasta varios años).
• Personajes típicos:
• Galán
• Dama
• Poderoso
• Salvaguardador del honor de la hama
• Gracioso
• Rey / Reina

• Mezcla de lo trágico y lo cómico: Lope opta por unificar la tragedia y la comedia, rígidamente separadas en el teatro clásico, por lo que en sus obras mezcla, como en la vida, infortunios y alegrías. Lope también se vale de un teatro polimétrico, que utiliza diferentes tipos de verso y estrofa.
• Situaciones 'indecorosas' de moralidad: mujer disfrazada de hombre, mentiras y engaños...

• División en tres actos: Lope redujo a tres los cinco actos del teatro clásico: uno para el planteamiento o exposición del conflicto; otro para el nudo o desarrollo de la intriga; y el tercero para el desenlace.

• Variedad de estilo y métrica: El gran dramaturgo, defendía que cada personaje debía comportarse y hablar de acuerdo con su nivel social. Por eso en sus obras se alternan la lengua culta y la popular e incluso la vulgar. Frente a la uniformidad del teatro clásico Lope propugna el empleo de variedad de metros y estrofas: cuartetas, redondillas, décimas, romances, zéjeles...

Por otra parte, la atracción de Lope por lo popular le lleva a introducir en sus obras canciones de corte tradicional: de amor, de trabajo, de bodas, de romería, villancicos, etc.

El local: corral de comedias

En un principio, los corrales de comedias eran patios interiores de casas, en los que se ponía un un tablado de escenario y los espacios restantes se aprovechaban para alojar al público. Las representaciones se hacían de día. El patio no tenía techo y para protegerse del sol se utilizaba un toldo. El escenario tenía unas cortinas que tapaban uno o dos corredores y los vestuarios. Para avisar a la audiencia de que comenzaba la representación utilizaban un ruido inicial, música...

El escenario presentaba 3 niveles utilizables durante la representación: un balcón al que asomaban personajes que simulaban estar en el de una casa; el escenario, en el que se desarrollaba normalmente la acción; y por último, el foso del que salían, a través de trampillas, los actores.

Las habitaciones de las casas que daban al patio estaban destinadas a las gentes principales. Los desvanes   situados justo debajo del tejado estaban reservados muchas veces a los religiosos y a los nobles. Estos personajes podían ver la comedia sin ser vistos a través de celosías. El público más modesto se situaba en el patio central y veía el espectáculo de pie o sentado en unas gradas que de los lados del patio. 

Frente al escenario se construyó una especie de palco para las mujeres del pueblo (cazuela), quienes accedían al local por una puerta especial o por las casas vecinas, para no encontrarse con los hombres.

   

Escuela de Lope. Innovaciones de Calderón de la Barca. Escuela de Calderón

Lope de Vega sirvió de modelo para muchos otros de los autores del Siglo de Oro. Entre sus seguidores, los llamados la escuela de Lope, hay autores como Guillén de Castro, Antonio Mira de Amescua, Tirso de Molina, Luis Vélez de Guevara, o su hijo Juan Vélez de Guevara.

Lope de Vega

Calderón de la Barca

Calderón de la Barca hizo algunas innovaciones en el teatro. Calderón reduce el número de escenas que habitualmente empleaban Lope de Vega y sus seguidores, porque cuida más la estructura dramática; restringe igualmente la abundante polimetría del teatro anterior a octosílabo, endecasílabo y alguna vez heptasílabo; también empobrece el repertorio estrófico a fin de lograr más unidad de estilo. 

Con Calderón de la Barca adquirió plena relevancia en la comedia barroca la escenografía, es decir los elementos visuales que conformaban la escenificación como por ejemplo la iluminación o la caracterización de los personajes (vestuario, maquillaje, peluquería…). 

También cobra mucha importancia la música (se considera a Calderón el primer autor de libretos de zarzuelas), en búsqueda de un espectáculo barroco integral que uniera las diversas artes plásticas. 

Estas innovaciones que hizo Calderón en el teatro tuvieron mucha influencia en autores posteriores que, seguidores de éste, constituyen la escuela de Calderón. Los principales seguidores fueron Francisco de Rojas Zorrilla y Agustín Moreto.

El teatro

Orígenes del teatro

El teatro tiene origen en las fiestas donisíacas en honor del dios Dioniso y que se celebraban en Atenas. Duraban cinco días seguidos y se celebraban cada primavera y cada invierno al aire libre.

Dioniso, dios del vino y el desenfreno.

El teatro nace cuando Pisístrato, tirano griego del siglo VI a.C. que gobernó Atenas, le pidió a un poeta que inventara algo para que las celebraciones fueran más atractivas. Durante los rituales 12 hombres (corifeo) cantaban y danzaban con máscaras adornadas con cuernos de cabras. Por eso el público les llamaba "tragedias" (del griego tragos=cuernos de cabra, y de odas=cantos o himnos, es decir, "coro que cantaba con mascaras y cuernos"). Los actores eran llamados hipócritas (del griego hipo=máscara, y critas=responder, es decir, "los que respondían detrás de una máscara") y representaban a los dioses o héroes mitológicos o legendarios.

Así, en el año 534 a.C., nace el teatro griego como tal y la catarsis (sentimiento del público).

Teatro de Epidauro

El teatro de Epidauro es un teatro antiguo de Argólida, edificado en el siglo IV a. C. para acoger las Asclepeia, concurso que combinaba pruebas gimnásticas y musicales, en honor del dios médico Asclepio.

El teatro fue pensado por el arquitecto y escultor Policleto el Joven que lo situó a 500 metros al sudeste del santuario de Asclepio, sobre un lugar que permitió adosar el conjunto de gradas en el flanco de la colina.

Es el modelo de numerosos teatros griegos. Se trata de uno de los mayores teatros de Grecia, que poseía un aforo de unos 15.000 espectadores. Se caracteriza por su acústica perfecta, ya que no hay ni una superficie llana, y por el uso que los griegos le daban al aprovechamiento del espacio natural, como las pendientes para excavar las gradas).

El teatro en la Edad Media

El teatro desapareció en la Edad Media a causa de la caída del comercio, cuando la ciudad sufre una ruralización y la gente se fue al campo, en un castillo o un monasterio.

No fue hasta finales del siglo XIII, que se recuperó el teatro y apareció el Dolce stil novo (el centro vuelve a ser la ciudad).

Contraste y comparación entre épocas

Amor

Renacimiento

• El amor entra por la vista. 
• Etapa de adoración en la distancia.
• Declaración y correspondencia o no.
• Amor fiel / amor dolorido, no desesperado.
• Ordenación de poemas como una biografía amorosa (incluye poemas a la amada muerta).

Barroco

• Desesperación, cuando no hay correspondencia, muchos extremos.
• Estoicismo, esteticismo
• Moralización
• Sátira, sentido pesimista
• Culteranismo y conceptismo

La mujer

Renacimiento

• Descripción tópica
• Comparación con elementos de la naturaleza
• Idealizada y, a veces, inalcanzable

Barroco

Igual que en el Renacimiento:

• Descripción tópica
• Comparación con elementos de la naturaleza
• Idealizada y, a veces, inalcanzable

La mitología

Renacimiento

Se usa para enmarcar estados anímicos o situaciones que vive/siente el autor.

Barroco

El mismo tratamiento con respeto y se incorpora la burla de los mitos.

El paisaje

Renacimiento

• Locus amoenus (verde, árboles, agua, césped, pájaros)
• Bucolismo (pastores y pastoras con sus rebaños)

Barroco

• Paisaje bucólico
• Más trágico de la vida

Los modelos

Renacimiento

• Grecia y Roma (todo lo clásico)
• Virgilio, Horacio, Ovidio...
• Petrarca y poetas italianos renacentistas

Barroco

Igual que en el Renacimiento:

• Grecia y Roma (todo lo clásico)
• Virgilio, Horacio, Ovidio...
• Petrarca y poetas italianos renacentistas

Pero acumulando muchas cosas a la vez.

Poesía de circunstancias

Renacimiento

Celebrar sucesos, personajes, lugares

Barroco

En el Barroco todo continúa igual.

Métrica

Renacimiento

Endecasílabo (combinaciones que dan lugar al soneto, la décima, la canción, la lira, el terceto...)

Barroco

Aparecen los heptasílabos pero la base sigue siendo el endecasílabo.

Autores

Renacimiento

• Garcilaso de la Vega
• San Juan de la Cruz
• Fray Luis de León
• Lope de Vega
• Villamediana, Argensola...

Barroco

• Luis de Góngora
• Francisco de Quevedo

Lengua

Renacimiento

Equilibrio, sencillez

Barroco

Muchas cosas y conceptos

Tópicos

• Carpe diem
• Menosprecio de corte y alabanza de aldea
• Beatus ille
• Aurea mediocritas (tranquilidad)
• Donna angelicata
• Collige, virgo, rosas

Poesía medieval

POPULAR

Líricas

La utiliza con el amor en boca de la muchacha y para acompañar situaciones cotidianas:

• Jarchas: constituían la parte final de la moaxaja, de la que existen ejemplos desde el siglo X-XI. Las jarchas están compuestas en dialecto hispanoárabe coloquial, o en la lengua romance que utilizaban los andaluces impropiamente llamada mozárabe. Fueron escritas por poetas cultos árabes y judíos, pero principalmente mujeres aristocráticas, que tomaban como modelo la lírica románica tradicional. Pudieron recogerlas del folclore popular, o bien adaptarlas a sus necesidades métricas (pues debían integrarse en la moaxaja) o bien componerlas de nueva creación, a partir de moldes tradicionales. Su importancia radica en que son el documento más antiguo que se conoce de poesía en lengua romance.
• Cantigas de amigo: eran transcripciones de canciones populares. No eran poesías trovadorescas, eran populares y de amor.
• Villancicos: eran originariamente canciones profanas con estribillo, de origen popular y armonizadas a varias voces. Posteriormente comenzaron a cantarse en las iglesias y a asociarse específicamente con la Navidad.
• etc

Narrativa

Fueron el alimento del nacionalismo y crearon ideales políticos, autoridad, leal, etc.:

• Cantares de gesta: epopeya escrita en la Edad Media o a una manifestación literaria extensa perteneciente a la épica que narra las hazañas de un héroe que representa las virtudes que un pueblo o colectividad consideraban modélicas durante el Medievo.
• Romances: son generalmente poemas narrativos de una gran variedad temática, según el gusto popular del momento y de cada lugar. Se interpretan declamando, cantando o intercalando canto y declamación.

CULTA

Lírica

• Trovadoresca provenzal
• Poesía cancioneril
• Amor, debate, sátira, filosófico-literaria.

Narrativa

• Mester de Clerecía (s. XIII): literatura compuesta por clérigos de gran conocimiento
• Hito, vidas de santos, moral.

• Dictadismo moral e ideológico
• Ilustración e ideas de la sociedad
• Cultura, costumbres, teorías moral/religiosas.

¿Qué funcionalidad tenía la poesía en la Edad Media?

¿Para qué podía servir?

Culto

• Alardear conocimientos: habilidades técnicas e ideas.
• Transmitir ideología (ideas/creencia): valores, moral, religión, política.
• Entretenimiento: crítica social, emociones, gente que admiraban.

Popular

• Acompañar momentos de la vida cotidiana

¿Por qué La Celestina es una obra renacentista?

La Celestina es una obra renacentista porque hay un cambio de paradigmas.

La igualdad entre las clases sociales. Este tema le hace a La Celestina ser también una obra de transición entre la Edad Media y el Renacimiento. En la Edad Media se producía un distanciamiento entre las clases sociales que estaban muy bien definidas: los ricos y los pobres. En La Celestina las clases sociales se mezclan, los vicios y las pasiones están en ricos y en pobres por igual; la naturaleza humana es mala y nadie es mejor o peor según sea la cuna en que ha nacido. En La Celestina es la primera vez en que los pobres, los desheredados adquieren tanta importancia como los ricos. Destacar también la relación amos y criados (Calisto y sus criados, Pármeno y Sempronio) que más bien parecen amigos y colegas más que señor y criados.

Celestina en su negocio con Calisto, lo llama "ganar el sueldo". Reconoce estar obligada a ocuparse del asunto por la entrega de cien monedas, "no digan que se gana holgado el salario"; la palabra salario aparece en el siglo XV y habitual en el lenguaje hablado. La base es el dinero, pago o sueldo.
Aparece el amor sexual y el amor sentido por todas las clases sociales. Si reparamos en la actitud de Calisto frente al amor, nos damos cuenta de que su actuación nos es presentada como una parodia del código amoroso.

Es importante el sentido crítico frente al uso de los latinismos y también el individualismo del autor.
En la obra aparecen muchas referencias del mundo clásico: mitología, filósofos e ideas, y referencias a Petrarca.

Hay un acercamiento a lo verosímil (realidad) con el lenguaje coloquial pero elevado y modificado con cultismos, aun así sin pasarse.

Aparece el tópico literario carpe diem en el séptimo acto, cuando Celestina insta a Areúsa a que aproveche el momento y su juventud que tiene ahora y no la desperdicie en objetos banales. También aparece el carpe diem cuando Celestina habla a Pármeno y Areúsa, durante el séptimo acto; cuando Lucrecia desea ser amada, en el acto decimonoveno; en la relación entre Elicia y Sempronio, Areúsa y Pármeno,…

Detalles del final de la obra

1. Monólogo de Pleberio > ¿Cuáles son los dos temas fundamentales?

Los dos temas fundamentales del monólogo de Pleberio son el amor y el cambio, suerte o fortuna (variabilidad). Pleberio le pregunta a la fortuna por qué no se llevo todo lo material que tenía en vez de a su hija, ya que al fin y al cabo lo que importa no es lo que se puede tocar sino los sentimientos. Esto responde al tópico de la vida eterna después de la muerte.

2. Pasos (4) que sigue Melibea para que nadie estorbe su suicidio.

1. Se finge enferma
2. Pide un instrumento musical de cuerda y así poder quedarse sola
3. Le da un recado a Lucrecia para que su padre le espere debajo de la torre
4. Pide que cierre la puerta y se tira

3. Explica el porque o motivo por el que Melibea se suicida. ¿Hay alguna pareja de amantes de la MITOLOGÍA CLÁSICA que tienen el mismo final?

Melibea se suicida porque Calisto ya no está en ella y su vida ya no tiene sentido ya que vive por el amor.

Hero y Leandro

Una pareja de la mitología clásica que también tienen el mismo final son Hero y Leandro, un mito griego acerca de dos desafortunados amantes. Hero era una sacerdotisa de Afrodita, que vivía en una torre en Sestos, en el extremo del Helesponto. Leandro era un joven de Abidos en el otro lado del estrecho, se enamoró de ella y cada noche cruzaba el Helesponto a nado para estar con Hero. Un día, una tormentosa noche de invierno las olas sacudieron a Leandro en el mar y el viento apagó la luz de Hero, por lo que el amante perdió el camino y pereció ahogado. Hero se lanzó desde la torre, muriendo también.

Análisis de la Celestina

1. Aspectos de la lectura de los actos leídos

Fernando de Rojas nos muestra Celestina como un personaje avaro, codicioso y también mentiroso, ya que no cumple su promesa con los criados de repartirse la cadena de oro de Calisto.
Como Pármeno estuvo nueve años trabajando con los frailes de Guadalupe y Sempronio sirvió al cura de San Miguel, a un mesonero de la plaza y al hortelano, no pueden tener más de 25 años.
La Celestina es del siglo XIV y es una ironía. El autor cree que todos somos iguales, porque venimos de Adán y Eva.

2. Estilo y lengua en La Celestina

2.1 Idea base de comunidad cultural en la Romania en toda la Edad Media

El 1100 empieza la producción en lengua vulgar y se sigue escribiendo en latín. Desde 1100 Francia pasa a ser el paradigma cultural hasta finales del siglo del siglo XIII, que el referente es Italia, aunque la idea era la misma. 

Durante el siglo XVI, la Península Ibérica pasa a ser el paradigma cultural dominante en Europa hasta el siglo XVII, en que Francia vuelve a dominar culturalmente. Hasta que a finales del siglo XVIII, por primera vez aparecen como paradigma cultural Inglaterra y Alemania, que solo habían sido consumidores de cultura.

2.2 Refranes, sentencias y exemplas: Las florestas o florilegios. Funciones y usos

En La Celestina aparecen 332 sentencias y unos 272 refranes. Si añadimos los exemplas  (ejemplos tanto de origen sagrado como profano, o de fuentes orientales u occidentales). Fernando Rojas no había leído las obras en las que estaban, sino que acudió como la mayoría a las florestas o florilegios en los que iba anotada la obra a la que pertenecía.

En el Prólogo de La Celestina se distingue claramente entre refrán y sentencia, aunque luego en la obra aparecen mezclados y sin que se advierta de su uso. Hay tendencia a usar refranes para abrir o cerrar diálogos.

Las sentencias, exempla y refranes se usan también para dibujar a los personajes más importantes y para la formación de la postura irónica. En el Acto I, al contrario de lo que ocurre en los demás actos, la sentencia se emplea muchísimo más que el refrán.

Rojas añade una función de las sentencias: aprenderlas de memoria “para trasponer en lugares convenibles a sus autos y propósitos” (pero Melibea se encuentra incapaz de recordar los saludables consejos leídos en los libros de su padre, debido a “su turbada y dañada memoria”; en cambio, Pleberio no encuentra dificultad para recordar una serie de sentencias y exempla aplicables a la situación).

2.3 Aumento por el gusto latinizante en la mitad del siglo XV

Antonio de Nebrija

A mitad del siglo XV se hace un cambio en las formas de escritura y se introduce un nuevo estilo lleno de latinismos en los textos. En la segunda mitad del siglo XV aparece Antonio de Nebrija, uno de los grandes humanistas del Renacimiento y ciertamente el más grande de España, conquistó un sitial de honor en la historia de la lengua española como autor de la primera gramática española (1492) y el primer diccionario de español (1495). Fue filólogo, historiador, pedagogo, gramático, astrónomo y poeta.

2.4 Estilo lingüístico en La Celestina

En cuanto al estilo lingüístico, coexisten en la obra la lengua culta y erudita y la lengua popular. Cada personaje suele hablar de acuerdo a su condición social, salvo Celestina que cambia de registro según el interlocutor o la situación en que se encuentren. 

La lengua culta abunda en latinismos, frases largas, verbos al final de la oración, utilización de sentencias cultas o citas de la Antigüedad clásica.

La lengua popular es, por el contrario, viva y rápida, con numerosos refranes, frases cortas, expresiones coloquiales, chistes, insultos…

La variedad lingüística muestra el poder de la palabra en la Tragicomedia, que sirve para comunicar y relacionarse con los demás, pero también para persuadir, convencer, engañar y dominar a los otros.

La Celestina. Acto IX

Hay una comida en casa de Celestina y hay una conversación entre Pármeno, Sempronio, sus respectivas amadas y Celestina, parecida a un ambiente de plauto. Los cinco se sientan a la mesa frente a una comida abundante y Celestina elogia al vino. Hablan sobre el tiempo pasado y hacen comentarios sobre señores. Las chicas critican a Melibea: que es estirada, que es una vieja ya que tiene una barriga como si hubiera parido varias veces (carnes descolgadas), que tiene los pechos gordos y como calabazas, que se pone potingues de mil suciedades (hiel, miel, uvas) y que es sucia.

El prólogo de La Celestina (II) - Preguntas

- ¿Qué noticias tenemos de la composición de la obra y autoría?

Sabemos que la obra ha sido presentada en dos versiones, la primera titulada Comedia de Calisto y Melibea, de dieciséis actos, y la segunda, titulada Tragicomedia de Calisto y Melibea, de veintiún actos. El primer título fue escrito por el mismo escritor desconocido del primer acto. Y el segundo título fue dado por el mismo Fernando de Rojas.

- ¿A quién la dedica?

Fernando de Rojas dedica la obra a un amigo suyo.

- ¿Hay alguna perspectiva del primer autor?

Sí, dice que Fernando de Rojas se la encontró empezada y que él solo continuó y terminó el primer acto del primer autor.

El prólogo de La Celestina

Estamos ante un escritor renacentista, así que en las premisas hay una importancia de los modelos clásicos y parámetros considerados como marco que hay que imitar. Argumenta una idea (tesis) con sus argumentos.

Aparecen varias citas de sentencias de grandes filósofos y escritores como Heráclito o Francesco Petrarca y ejemplos de la naturaleza. Fernando de Rojas en el prólogo recuerda y traduce al filósofo griego Heráclito (“Omnia secundum litem fiunt”: todas las cosas son criadas a manera de contienda o batalla) y al poeta italiano Petrarca (”Sine lite taque offensione nihil genuit natura parens”: sin lid e offensión ninguna cosa engendró la natura, madre de todo).

Elementos del teatro clásico

Comedia

• GRECIA
• Aristófanes
• Menandro y "LA COMEDIA NUEVA"

• ROMA
• Plauto
• Terencio

Comedia griega

Aristófanes (Atenas, 444 a. C. - 385 a. C.) fue un famoso comediógrafo griego, principal exponente del género cómico. Vivió durante la Guerra del Peloponeso, época que coincide con el esplendor del imperio ateniense y su consecuente derrota a manos de Esparta. Sin embargo, también fue contemporáneo del resurgimiento de la hegemonía ateniense a comienzos del siglo IV a. C.
Leyendo a Aristófanes es posible hacerse una idea de las intensas discusiones ideológicas (políticas, filosóficas, económicas y literarias) en la Atenas de aquella época.
Su postura conservadora le llevó a defender la validez de los tradicionales mitos religiosos y se mostró reacio ante cualquier nueva doctrina filosófica. Especialmente conocida es su animadversión hacia Sócrates, a quien en su comedia Las nubes lo presenta como un demagogo dedicado a inculcar todo tipo de insensateces en las mentes de los jóvenes. En el terreno artístico tampoco se caracterizó por una actitud innovadora; consideraba el teatro de Eurípides como una degradación del teatro clásico.
Aristófanes presenta su primera comedia a un certamen siendo tan joven que no la puede hacer con su nombre, esto es más por una cuestión tradicional ya que era perfectamente legal. Esta pieza, hoy desaparecida, se estrenó en el año 427 a. C. y fue llamada Los convidados. Su segunda obra es Los babilonios, y fue representada en 426 a. C. Esta comedia tampoco ha llegado hasta nuestros días.

Menandro (Atenas, h. 342 a. C. - ibídem, h. 292 a. C.), fue comediógrafo griego, máximo exponente de la llamada Comedia nueva.
El teatro de Menandro se caracteriza, como el de toda la comedia nueva, por la ambientación urbana, el tratamiento de temas cotidianos, el abandono de los temas heroicos y la desaparición del coro en escena, a la vez que la vivacidad de los diálogos. Sus comedias, en cinco actos y separadas por intermedios, están escritas en lengua antigua, y el verso que normalmente utiliza es el yámbico. Los argumentos ya no proceden del mito sino de la vida real: amoríos, conflictos generacionales entre padres e hijos, niños expuestos, muchachas violadas y un final feliz con una o varias bodas. En la complicación y resolución de la intriga desempeña el azar un papel fundamental.
Posee una concepción optimista de la naturaleza humana, por su fe en la solidaridad con el semejante y su creencia de que la virtud, por encima de las diferencias de raza o de estamento social, es patrimonio común del género humano. Puede tenerse por el más cabal formulador de los ideales del Humanismo
Sus comedias fueron muy imitadas no sólo por sus contemporáneos, sino por los autores latinos Terencio y Plauto y, a través de ellos, su estilo pasó luego al teatro del Renacimiento europeo.

Comedia latina

Plauto (Sársina, Romaña, 254 a. C. – Roma, 184 a. C.) fue un comediógrafo latino. Vivió un periodo históricamente muy revuelto: la II Guerra Púnica (de la derrota de Cannas, 216, a la victoria del Metauro, 207, y Zama, 202) y la primera afirmación de la intervención romana en Grecia y en el Oriente helenístico. Se trasladó a Roma de joven y allí fue soldado y comerciante. El amplio conocimiento del lenguaje marinero que atestiguan sus obras confirma este último dato, y posiblemente también realizó viajes por el Mediterráneo. Se arruinó y tuvo que empujar la piedra de un molino al tiempo que empezaba a escribir comedias palliatas adaptadas del griego. Su enorme éxito le valió salir de molinero para consagrarse a este nuevo oficio y murió prácticamente rico con más de setenta años, envuelto en una gran popularidad. Aunque hay otros eruditos que piensan que probablemente al usar la expresión latina "empujar la piedra del molino", nuestro autor se refería a su extrema pobreza y no al trabajo literal como esclavo encargado de girar las muelas de los molinos.

Una de las comedias auténticas de Plauto fue El anfitrión. Inspiró a Molière y Giraudoux, y es la única comedia mitológica de Plauto. La comedia narra las confusiones producidas por el encaprichamiento del dios Júpiter hacia la joven Alcmena, esposa del general Anfitrión; cuando el marido vuelve de la guerra descubre que un clon de sí mismo ha estado allí, manteniendo relaciones con su mujer. Este clon, por supuesto, es la mimetización de Júpiter en Anfitrión.

Terencio fue un autor de comedias durante la república Romana. Desconocemos la fecha exacta de su nacimiento, pero según Suetonio, murió en 159 a. C. a la edad de treinta y cinco años.

Nació como esclavo romano (tomó su nombre de su dueño Terencio Lucano, en cuya casa sirvió como esclavo), pero fue manumitido dadas sus extraordinarias cualidades.

Como Plauto, Terencio adaptó obras griegas de la última época de la Comedia ática. Fue más que un traductor, como han confirmado los descubrimientos modernos de antiguas obras griegas. Sin embargo, las obras de Terencio utilizan un escenario 'griego' más convincente en lugar de romanizar la situación: las convenciones de la época impedían que los sucesos 'frívolos' tuvieran lugar en Roma.

El Eunuco es una comedia escrita en el s.II a.C. por Publio Terencio Afer, que junto a Plauto encarna el espíritu de la comedia latina, es decir, comedia de enredo con final feliz y en el caso de Terencio con cierta intención moralizante. El argumento es el siguiente: Fedria, joven ateniense de buena familia, está enamorado de Tais, dueña de un prostíbulo, a la que le regala entre otros presentes un eunuco para granjearse sus favores. Querea, hermano de Fedria, suplanta al eunuco para estar cerca de su amada Pánfila, medio hermana de Tais. Parmenón, esclavo de Fedria, será el encargado de hacer y deshacer el entuerto.

Comedia elegíaca

Gracias al enorme impulso que recibió la cultura durante el Prerrenacimiento del siglo XII, surgieron y se multiplicaron diversas formas literarias en latín, entre ellas la comedia elegíaca, grupo textual diverso que recibe tal denominación por el metro que la caracteriza: el dístico elegíaco. Destacan el carácter escolar de estas obras, su asunto marcadamente erótico y su característica misoginia cómica, basada en una mujer artera que engaña a un varón ingenuo. Las comedias elegíacas, que siguen el modelo de Terencio, Ovidio y, supuestamente, Plauto, no implicaron grandes cambios en el panorama del teatro medieval propiamente dicho, pues tenemos la certeza de que ni el Pamphilus de amore ni otros textos de la misma índole se escribieron en origen para su posterior representación. Por lo que se refiere a los modelos clásicos, el Pamphilus es la única de estas obras en que se imita claramente a Terencio, aunque, como en el resto de las comedias elegíacas, no se le nombre una sola vez.

El Pamphilus de amore es una comedia medieval escrita en latín en el siglo XII. Curiosamente, se llegó a atribuir a Ovidio, de quien es deudora, especialmente de su Ars amandi, aunque también tiene influencia de Terencio. Su importancia en la literatura española pasa por el Libro de buen amor, en el que Juan Ruiz la glosa en el episodio de don Melón y doña Endrina, aunque la misma Celestina le debe algo.

Los fabliaux

Los fabliaux son breves poemas narrativos franceses de los siglos XII y XIV, escritos por gente escolar (estudiantes) que sabían latín para ganar dinero. Su contenido es erótico o humorístico y son de carácter popular. Tuvieron mucho éxito en Europa.

Un ejemplo de fabliaux es el del Pitas Payas (un cuento del Libro del Buen Amor). Éste cuenta la historia de un pintor, Pitas Payas, que después de contraer matrimonio con una moza, se debe ir a Flandes. Ella le pide que no le olvide y él le dibuja un cordero en el ombligo. Como este pintor tarda dos años en volver, ella toma un amante y se le borra el cordero. Cuando oye que su marido ya ha llegado le pide al amante que le dibuje un cordero, pero se equivoca y le dibuja un carnero adulto, con los cuernos incluídos.

El Decamerón es un libro de cien cuentos terminado por Boccaccio en 1351. Donde se desarrollan tres temas principales: el amor, la inteligencia humana, y la fortuna. Las primeras copias se leían, se intercambiaban e incluso robaban. Éstas estaban en manos de mercantes y fueron de pasatiempo para los lectores más comunes e ingenuos de la época.

Los cuentos de Canterbury es una obra del escritor inglés Geoffrey Chaucer, que presenta una estructura semejante al Decamerón, de Boccaccio. Los cuentos fueron escritos a finales del siglo XIV.

Conjuro de Celestina

Ficha del segundo auto

Ficha de comprensión y profundización del segundo acto de La Celestina

1. Hay dos intervenciones de Calisto en las que parece arrepentido de haber puesto su negocio en manos de Celestina pagando para ello cien monedas de oro. Búscalas.

1. CALISTO

“Hermanos míos, cien monedas di a la madre, ¿hice bien?

2. CALISTO

“A ti, Pármeno ¿qué te parece lo que hoy ha pasado? ... así que, como ella es así, más quiero dar a esta cien monedas que a otra cinco.”

2. Explica brevemente el concepto de honor que Sempronio expone a Calisto.

Sempronio expone que el honor son las buenas acciones que la gente hace, como por ejemplo , dar dinero a alguien. Solo la gente buena puede tener esta virtud, siendo liberal y generoso.

3. El amor de Calisto es un amor aprendido en los libros y este personaje se conduce conforme a lo que ha leído: busca las palabras de Calisto y de Sempronio que corroboran la afirmación anterior.

CALISTO

"¿Es que no sabes que el llanto alivia la pena", "¿No sabes que el mayor consuelo de los consolados es quejarse de su pasión y que los suspiros provocan descanso?", "Las lágrimas y los gemidos aminoran el dolor", “Quienes escribieron sobre el consuelo, no dicen otra cosa”.

SEMPRONIO

“... dicen que confiar en lo temporal y buscar materia de tristeza es igual género de locura. Y aquel Macías, ídolo de los amantes, se quejaba del olvido porque le olvidaba. En el contemplar está la pena de amor; en el olvidar el descanso.”

4. ¿Qué dos actitudes manifiesta Pármeno en torno al asunto que ocupa a su amo?

Primera actitud

Se preocupa por su amo porque el negocio está en manos de la Celestina y su amo no ve la realidad.

Segunda actitud

Tiene una actitud de pasividad, le da igual lo que le pueda pasar a su amo y solo querrá sacar provecho de él.

5. ¿Qué motiva este cambio de actitud?

Pármeno cambia de actitud porque ve que Calisto no le escucha, no le hace caso y no le trata bien.

6. ¿Qué nombre darías al sentimiento que Pármeno manifiesta por Calisto al final del segundo auto?

Resentimiento, frustración, indignación, pasividad ante lo que le pueda suceder (ya que no le hace caso)

Primer auto de la Celestina

Por qué el primer auto no es de Fernando de Rojas.

Se han hecho estudios demostrando que en el primer auto hay palabras y formas más antiguas y en los otros las palabras son más maduras. Por ejemplo: desde/dende, grande/grand, aína/presto, replicar/responder, luenga/larga.

En los otros actos había más cultismos (palabras castellanas con significado latín) y los actos son más humanistas y renacentistas. En el primer acto hay traducciones erróneas ya que no se entendía el significado.

Celestina - Trotaconventos

1. Lee el fragmento de la "Trotaconventos" y caracterízala.

Una trotaconventos es una mujer vieja y barbuda, muy sabia y que sabe muchas cosas de todo. Siempre busca beneficios para ella y a veces se aprovecha de las personas adulándolas excesivamente. Aún así, es servicial. Controla la situación ya que se entera de todo. Es muy audaz y persipicaz.

2. Lee la conversación entre Celestina y Sempronio y compara a Celestina con la Trotaconventos.

En la obra La Celestina la sociedad contenía dos clases, una aristocracia a la plebe de criados y prostitutas que dependían de la primera. En aquella época los valores morales y religiosos ya no tenían tanta importancia. Las relaciones entre las dos clases sociales no estaban idealizadas, los sirvientes adulaban a sus amos, pero por otra parte cuando se alejaron de su presencia empezaron a murmurar de ellos. Conseguir algo de dinero se convirtió en un motor básico que movía a la gente y la sociedad. Las mujeres tenían papel de ser madres y amas de casa, sin embargo, tanto Celestina como Trotaconventos ejercían a su oficio por lo que la mayoría de la gente les despredecía. Dado que desde siempre la gente por su naturalidad se dejaba llevar por el amor, relaciones amorosas y deseos sexuales muchas veces la gente era dispuesta a pagar las alcahuetas para arreglar sus problemas de amor. A pesar del esfuerzo de ganarse la vida lo más posible, las mujeres no eran capaces de sacar su vida de la gran pobreza provocada en gran parte por las diferencias entre las clases sociales de la época. También en la obra Libro de buen amor conocemos poco a poco las costumbres de la ciudad y del campo, los manjares que se degustaban o las golosinas que elaboraban las monjas, los vestidos y cosméticos que usaban las mujeres.

Francesco Petrarca

Francesco Petrarca

Francesco Petrarca (Arezzo, 20 de julio de 1304 – Arquà Petrarca, Padua, 19 de julio de 1374) fue un lírico y humanista italiano, cuya poesía dio lugar a una corriente literaria que influyó en autores como Garcilaso de la Vega (en España), William Shakespeare y Edmund Spenser (en Inglaterra), bajo el sobrenombre genérico de Petrarquismo. Tan influyente como las nuevas formas y temas que trajo a la poesía, fue su concepción humanista, con la que intentó armonizar el legado grecolatino con las ideas del Cristianismo. Por otro lado, Petrarca predicó la unión de toda Italia para recuperar la grandeza que había tenido en la época del Imperio romano.

Características de sus obras

La mayor parte de las obras se escribieron en latín. Tenían como referencia a Laura (su amada), la mujer que idealizaría en sus poemas, en Aviñón. Poco se sabe de ella, aunque es muy posible que fuese la dama Laure de Noves. La amada es el ideal que se expande por Europa como el amor fiel aunque no haya correspondencia.

Características de la amada de Petrarca

Retrato de Laura en la Biblioteca Laurenciana

La amada de Petrarca es un ser superior espiritualmente al poeta al cual este rinden homenaje, pero no tiene todavía nada de sobrehumano, ella es modelo de virtud y de belleza. Petrarca simboliza la amada como una mujer con los cabellos claros o rubios, de ojos claros, como por ejemplo verdes, azules... Este tipo de mujer, en cambio, no se parece nada con la típica mujer griega, española, italiana o francesa que Petrarca hace aparecer en sus obras, buscando así la singularidad de ella. Se compara su belleza con la naturaleza, su piel se relaciona con la nieve y su rostro, con el clavel.

La Celestina

Primer auto de la comedía.

La Celestina es el nombre con el que se conoce desde el siglo XVI a la obra titulada en un principio Comedia de Calisto y Melibea, con 16 actos, y después Tragicomedia de Calisto y Melibea, con 21 actos, atribuida casi en su totalidad a Fernando de Rojas. En solamente un siglo (s. XVI), la obra fue editada 60 veces. Es una obra del Prerrenacimiento escrita durante el reinado de los Reyes Católicos; su primera edición conocida es de 1499, en Burgos. Constituye una de las bases sobre las que se cimentó el nacimiento de la novela y el teatro realista modernos y ejerció una influencia poderosa, aunque soterrada, sobre la literatura española. Sus logros estéticos y artísticos, la caracterización psicológica de los personajes, la novedad artística que suponía respecto al género de la comedia humanística en la que parece inspirarse, y la falta de antecedentes y de continuadores a su altura en la literatura occidental, han hecho de La Celestina una de las obras cumbre de la literatura española y universal.





Fernando de Rojas (1472 - 1541), autor de La Celestina, fue dramaturgo español. Estudió gracias a un noble que la pagó sus estudios. Su oficio era el de jurista, no escritor. Se quedó en un nivel de estudios medio tirando hacia bajo, lo que sería ahora el actual Bachillerato. Era hijo de una familia de judíos conversos. Sus abuelos cambiaron de religión por conveniencia, afectados por las persecuciones de la Inquisición.

Prosa. Del siglo XII al siglo XV